Je crois que le rôle d'un enseignant est de former des apprenants ouverts d'esprit et continus qui aborderont leur monde et ses habitants avec curiosité, respect et une oreille ouverte. Pour ce faire, un cours de musique doit engager l'intégralité de l'élève en tant que personne. Alors que l'objectif à court terme est de permettre aux étudiants de devenir des musiciens fluides, le chemin qui y mène offre tant d'autres domaines dans lesquels se développer qui sont essentiels pour devenir un musicien et un individu complet. Dans les leçons individuelles, ces domaines incluent la pensée analytique, le développement d'une solide éthique de travail et la gestion de son temps. Dans la création musicale en groupe, les élèves apprennent à travailler en équipe et à élaborer une vision collaborative.

Je crois que l'élève et l'enseignant ont besoin d'un rapport basé sur l'honnêteté ainsi que sur la compréhension mutuelle pour travailler ensemble afin d'aider l'élève à atteindre ses objectifs. Différents étudiants auront des objectifs différents sur leurs instruments, d'autant plus que de nombreux étudiants ont plusieurs objectifs. Au lieu d'exiger que les étudiants pratiquent un temps arbitraire, je leur demande de planifier leurs horaires de pratique avec moi afin que nous puissions décider ensemble à la fois de ce qu'ils devraient viser à accomplir d'ici la prochaine leçon ainsi que des outils de résolution de problèmes les plus adaptés. approprié pour les tâches à accomplir. Pendant que je mets l'élève au défi de réaliser son potentiel, je rencontre l'élève là où il se trouve.

Lorsqu'un élève a enraciné une certaine base de techniques et de compréhension des styles, je le guide pour développer ses propres choix d'interprétation. Plutôt que de diviser technique et musicalité, je crois que les deux doivent être unifiés pour faire de la musique à chaque fois que nous jouons. En modélisant les pratiques interprétatives, je donne aux étudiants les outils pour utiliser le « langage » de la musique occidentale afin qu'ils puissent à leur tour l'utiliser par eux-mêmes. Je montre comment utiliser la théorie musicale en conjonction avec des styles historiques pour faire des choix, comme lorsque j'ai aidé des étudiants à naviguer à l'intersection de la tension harmonique avec le placement métrique d'un geste, ou dans des coachings de chambre dans lesquels j'ai guidé les étudiants à reconnaître l'humour de a nié les attentes d'un quatuor Haydn. Ce type de résolution de problèmes leur permet d'interagir avec les cultures passées et actuelles tout en leur donnant une base pour interpréter tous les styles de musique.

Avec un accès en ligne à des ressources pour explorer une vaste gamme de styles et de genres, les étudiants bénéficient d'un équilibre entre le canon classique occidental et d'autres traditions musicales vivantes dans nos communautés. Je considère qu'il est de ma responsabilité en tant qu'éducateur de modéliser la navigation de cet équilibre entre les compétences de divers répertoires et styles. Je me consacre à créer des opportunités pour les étudiants d'expérimenter diverses pratiques de performance, en fournissant simultanément aux étudiants les compétences historiques du canon classique ainsi que la musicalité contemporaine dynamique de l'interprète / improvisateur multistyle. Pour accomplir ce dernier, je défends les œuvres de compositeurs sous-représentés à la fois au sein et en dehors de la tradition classique, magnifiant les voix des femmes, des musiciens queer et des personnes de couleur qui constituent déjà un pilier essentiel de notre communauté musicale et enseignante. Je crois qu'en plus de diverses compétences en création musicale, les étudiants ont besoin d'occasions de pratiquer l'arrangement, l'organisation de concerts et de parler avec les membres du public. Parce que l'équilibre nécessaire de ces compétences est légèrement différent pour chaque élève, c'est quelque chose que l'élève et moi allons élaborer ensemble.

Je crois que les connaissances sont cumulatives, que rien ne se perd et qu'on ne peut préjuger des bénéfices d'acquérir de nouvelles compétences. Pour cette raison, je recommande aux violonistes de passer du temps à jouer de l'alto, et vice-versa. Tout comme l'apprentissage d'une nouvelle langue - ce que je recommande également vivement - la résolution de problèmes pendant un certain temps sur un instrument différent donne un aperçu des différentes qualités de son et élargit finalement la boîte à outils de l'étudiant. Je crois que l'étude de l'alto pour les violonistes, en particulier si elle se fait à travers des études et un répertoire spécifiquement écrits pour l'instrument, élargit de manière exponentielle la compréhension de l'étudiant du ton et de l'expression. A l'inverse, je pense que le violon pour altistes offre des opportunités d'explorer un champ enrichi de techniques de la main gauche et de subtilités archet-poignet qui sont autrement impraticables ou déconseillées.

Un point d'importance centrale dans mon approche de l'enseignement est l'intégrité de la culture du studio. Je montre comment les étudiants se traiteront avec un véritable respect, et je m'engage à transmettre la leçon suivante : parce que notre seule compétition est nous-mêmes de la veille et non les uns les autres, nous devons être ouverts à nous construire mutuellement. Lorsque les élèves s'entraident et se soutiennent pour être les meilleures versions d'eux-mêmes, ils créent une communauté qui favorise la croissance musicale et personnelle, et eux aussi, en aidant les autres, vont plus loin musicalement que jamais. Je crois qu'une telle communauté commence avec l'enseignant, et je sais que l'apprentissage dans ce contexte permet aux élèves de s'épanouir.